"绘画是静态的。经年累月重复看一幅画，这种经验的独特性在于 ：历经岁月变迁，形象始终不变。诚然，形象的意义可能会因历史或个人事件而改变，但它所描绘的画面却始终不变 ：同样的罐子里倒出同样的牛奶，海上连绵不断的波浪，微笑和面容依旧。
有人可能会说，绘画留存了某一时刻。然而稍加思索便知这显然不对。与摄影不同，绘画描绘的那一时刻从未存在过，因此不能这样说。
在文艺复兴早期的艺术里，在非欧洲文化的绘画里，在某些现代作品里，形象暗示着时间的流逝。观众看到画作时，看到了过去、现在和未来。中国的圣人从一棵树下漫步到另一棵树下，马车从孩子身上碾过，赤裸的人走下楼梯。然而，与画面之外的动态世界相反， 接下来的形象仍是静态的。这就产生一个问题 ：动静之间奇怪的对比有何意义。之所以奇怪，是因为这种动静对比显而易见，以至于看起来理所当然。
一幅画作何时完成，不在于它与存在事物的终契合——就像一双鞋子的两只——而在于画家感知或预见了画作被观看的理想时刻。漫长或短暂的绘画过程，就是在构建这样一个时刻。当然这个“时刻”无法完全预见，也无法完全由绘画来成就。然而所有绘画在本质上都指向这一时刻。
无论是一般的画家还是绘画大师，对绘画的描述并无二致。不同之处在于画作传达的东西 ：当画作产生的背景（赞助、时尚和意识形态）发生变化后，画家所预见的被观看的时刻与后人真实观看时的兴趣有多接近。
有些画家有个习惯，就是在创作到达某一阶段时，在镜中研究画作，然后他们会看到颠倒的图像。如果问他们这样做有什么益处，他们会说这样可以让他们以新鲜的视角审视画作。他们在镜子里捕捉到的或许有点类似画作在未来某个时刻被解说的样子。
所有完成的画作，无论有一年还是五百年的历史，都是从过去接收的预言，是观者在当下时刻透过画布看到的东西的预言。有时预言很快耗尽，画作失声 ；有时预言始终纯粹， 真实如初。
然而，为什么静止的绘画形象会如此扣人心弦？是什么弥补了绘画仅因静态而表现出的明显不足？
若说绘画预言了观看体验，并不能真正回答这个问题。这种预言假定人们会持续对静态形象感兴趣。为什么直至今日，这样的假设仍然合理？一般的答案是 ：因为绘画是静态的，所以能够建立一种视觉上“可感知”的和谐。只有静止的事物才能让人同时创作，才能如此完整。音乐作品的演奏需要时间，因此必然有开始和结尾。绘画只有在作为物体的层面，才有开始和结尾。而在形象中，既没有开始，也没有结尾。 这使得绘画的构图、和谐与形式成为可能。
在我看来，这种解释性术语既过于受限，又过于美学化。这种显而易见的对比一定有其优势 ：不变的绘画形式与生动的表现对象之间的对比。"
